viernes, 22 de abril de 2016

MARIA HELENA VIEIRA DA SILVA (1908-1992)

JUDITH LEYSTER (1609-1660)



En un importante período de la pintura holandesa dominado por Frans Hals, Rembrandt y más tarde Vermeer, en el gremio de pintores de San Lucas de Haarlem, figuraron dos mujeres. Una de ellas, admitida en 1633, era Judith Jans Leyster, la octava hija de un cervecero y sastre llamado Jan Willemsz Leyster, nacida en esta localidad en el año 1609. Cuando tenía quince años, la hostería que regenteaba su padre quebró y Judith tuvo que dedicarse a la pintura como oficio. No se conoce mucho sobre su formación artística, pero a los dieciocho años ya era reconocida como pintora. Del libro de Samuel Ampzing, publicado en 1628 y titulado “Descripción y elogio de la ciudad de Haarlem”, se deduce que pudo haber sido alumna del pintor Pietersz Frans de Grebber.

   
                                         


Judith Leyster realizó retratos, bodegones y desarrolló también la pintura de género,
que se entiende como la representación realista de escenas de la vida cotidiana en ámbitos como la familia, la calle, las fiestas, las tabernas y los paseos campestres, temas de gran demanda entre los miembros de la burguesía holandesa. En 1628 su familia se mudó a Vreeland, donde su pintura tuvo influencias de los caravaggistas de Utrecht y otros pintores de género, como Hendrick Terbrugghen y Gerrit van Honthorst. Judith introdujo en Haarlem la modalidad de utilizar una fuente de luz visible en un escenario oscuro, como puede verse en “La Proposición”, donde la luz de la lámpara ilumina la escena en la que el hombre ofrece dinero a una mujer que se supone es una prostituta, si bien en esta obra la fémina no parece estar alentando las acciones del hombre ni tener una actitud seductora. Este era un tema bastante común entre los caravaggistas.
Un hecho fuera de lo común en la época es que esta pintora tenía su propio taller, donde también se dedicó a la enseñanza y tuvo alumnos varones. Entre ellos figuran Willem Wouters, Hendrick Jacobsz y David de Burrij, aunque no hay evidencias de trabajos que ellos hayan producido.





En 1628 su familia se mudó a Vreeland, donde su pintura tuvo influencias de los caravaggistas de Utrecht y otros pintores de género, como Hendrick Terbrugghen y Gerrit van Honthorst. Judith introdujo en Haarlem la modalidad de utilizar una fuente de luz visible en un escenario oscuro, como puede verse en “La Proposición”, donde la luz de la lámpara ilumina la escena en la que el hombre ofrece dinero a una mujer que se supone es una prostituta, si bien en esta obra la fémina no parece estar alentando las acciones del hombre ni tener una actitud seductora. Este era un tema bastante común entre los caravaggistas.
Un hecho fuera de lo común en la época es que esta pintora tenía su propio taller, donde también se dedicó a la enseñanza y tuvo alumnos varones. Entre ellos figuran Willem Wouters, Hendrick Jacobsz y David de Burrij, aunque no hay evidencias de trabajos que ellos hayan producido.
Luego de contraer matrimonio en 1636, la actividad artística de Judith decreció drásticamente. Ella y su marido se mudaron a Ámsterdam y tuvieron cinco hijos. Sus trabajos conocidos posteriores a 1635 son un par de ilustraciones en un libro sobre tulipanes, de 1643, y un retrato fechado en 1652. Su marido, Jan Miense Molenaer, también fue pintor. Se dice que su talento no alcanzaba al de ella, pero tuvo una producción más numerosa. Es probable que ella le ayudase en su trabajo, además de dedicarse a la crianza de los hijos y administrar las rentas de algunas propiedades que poseían en Haarlem y Ámsterdam.




jueves, 21 de abril de 2016

lunes, 18 de abril de 2016

CARMEN CALVO


Carmen Calvo Sáenz de Tejada (Valencia, 1950) es una artista conceptual española, destacada por su aportación al arte contemporáneo de la Comunidad Valenciana.1
Realiza estudios de publicidad e ingresa en la Escuela de Artes y Oficios de Valencia y más tarde en la de Bellas Artes.
Su interés por la arqueología y el haber trabajado de joven en una fábrica de cerámica se refleja en su obra, que incluye fragmento de cerámica y barro.2
En los años 80 disfrutó de varias becas y ganó premios importantes: Primer Premio de Pintura Lasalle y Premio Alfons Roig de la Diputación de Valencia. En 1980 también participó en la exposición "New images from Spain" en el Museo Guggenheim de Nueva York y en otras ciudades de Estados Unidos.
En 1985 recibe una beca del Ministerio de Asuntos Exteriores y se traslada a París.
En el año 1990 el IVAM (Instituto Valenciano de Arte Moderno) le dedicó una importante retrospectiva. Desde mediados de los 80 su obra se orienta hacia la intervención en fotografías que agranda y manipula.
Ha representado a España con una galería de espejos en la Bienal de Arte de Venecia de 1997, junto con el poeta catalán Joan Brossa.3 En el 2003 el Museo Reina Sofía en el Palacio de Velázquez le dedicó una exposición sobre su obra. Ha desarrollado su obra entre Madrid, París y Valencia.

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PAULA REGO



Paula Rego (Lisboa, 1935) es una de las pintoras figurativas más relevantes de la escena internacional y una de las voces plásticas más lúcidas y combativas surgidas en la segunda mitad del siglo XX. La producción artística de Rego está enraizada en experiencias y recuerdos personales, en siniestras fantasías, en la historia del arte y en la literatura. A principios de los años cincuenta se traslada a Inglaterra para estudiar en la Slade School of Fine Art y adopta Londres como ciudad de residencia principal.





Ajena a las modas pasajeras, Rego ha practicado siempre la pintura figurativa bajo formas muy diversas y es de los pocos artistas modernos cuya obra gira en torno a la vida misma, como también lo hicieron los predecesores que reivindica, Goya y Hogarth, revelando así lo mejor y lo peor de la condición humana. Su obra tiene una manifiesta voluntad subversiva y liberadora, con una evidente dimensión de lucha contra la autoridad. En ella la artista habla de la dominación, la opresión y la violencia con lo que cuestiona los estereotipos impuestos socialmente. Con enorme fidelidad a su experiencia del mundo inspirada en los recuerdos de su solitaria pero mágica infancia en Portugal y en los muchos papeles que ha asumido en su vida, Rego ha creado una obra intensamente conmovedora y humana con un lenguaje apasionado y enérgico.


                         







viernes, 8 de abril de 2016

Barbara Wisnoski

Barbara Wisnoski est une artiste visuelle et tactile qui crée des installations murales textiles en relief, soit en 2.5 D, à partir des tissus recyclés. 
 
Intensément texturé, ces surfaces ondulantes sollicitent les sens et les émotions tout en rappelant le confort d’un matériau profondément intime et familier.
 
Se situant avec bonheur entre l'art, le métier d'arts et le design, son travail a été exposé au Canada, aux États-Unis, en Ukraine et en Chine. Néé à Toronto, Barbara habite à Montréal depuis 1989.

 



martes, 15 de marzo de 2016

Helene Schjerfbeck



(1862-1946)
 
El talento precoz de Helene Schjerfbeck y una lesión de cadera sufrida a la edad de cuatro años, le afectaron durante toda su vida. Ingresó en la Escuela de la Sociedad Finlandesa de Arte en 1873, asistiendo después a la academia privada de Adolf von Becker en Helsinki de 1877 a 1878. Como su familia no era adinerada, Helene tuvo que depender de becas. En 1880 pudo marchar a París, donde estudio en la academia para mujeres de Mme. Trélat de Vigny, y en 1881, pasó a la Académie Colarossi. El tiempo pasado en las colonias de artistas en Concarneau y Pont-Aven en el verano de 1881 y en 1883-1884, fue vital para su desarrollo.
La primera obra importante expuesta por Schjerfbeck, Soldado herido en la nieve (1880, Ateneum, Helsinki), comprada para la colección de la Sociedad Finlandesa de Arte el mismo año en que fue pintada, muestra claramente lo que se esperaba de ella en Finlandia, donde la pintura histórica aún seguía gozando de la mayor estima. Sin embargo, pronto se interesó por el paisajismo. Funeral en Bretaña (1884, Museo Pojanmaan, Vaasa), obra paisajista madura, fue aceptada para el Salón de París el año en que fue terminada. Aquella fue la segunda vez que Schjerfbeck expuso en el Salón, pero ya en 1881 su Muchacho dando de comer a su hermanita (Ateneum, Helsinki) había mostrado el naturalismo por excelencia, y también entonces fue vanguardista. La originalidad de Schjerfbeck está, no obstante, en obras más espontáneas e impresionistas, tales como La puerta. La obra temprana más importante de la pintora es La convaleciente (1888, Ateneum, Helsinki) pintada en St. Ives, Inglaterra, por la que recibió una medalla de bronce en la Exposición Universal de París en 1889.
En la década de 1890, Helene Schjerfbeck dio clases en Helsinki, pintando poco, y, en 1902, ella y su madre se mudaron a la ciudad de Hyvinkää. La lucha nacionalista de Finlandia y el simbolismo narrativo no la inspiraron, ya que su propio enfoque era esencialmente subjetivo. Comenzó a desarrollar su estilo modernista y se concentró en la pintura de tipos y en simplificar la expresión a lo esencial. La mordacidad de sus autorretratos alrededor de los ochenta años de edad los hace únicos en la historia del arte. Desarrolló de forma consecuente su enfoque pictórico, como podemos apreciar en sus bodegones coloristas. Sin embargo, su gran pasión siguió siendo pintar al prójimo, su espíritu y su carácter. En la actualidad es una de las artistas más famosas de Finlandia.

domingo, 13 de marzo de 2016

SOPHIE TÄEUBER-ARP


Sophie Täeuber estudió artes aplicadas en Múnich y Hamburgo. En 1915 conoció a Jean Arp con quien se casó en 1922. Ambos formaron parte del movimiento Dada de Zúrich.
A partir de finales de los años 1920, vivió en París, donde continuó diseñando.
En los años 1930, formó parte de los grupos constructivistas Cercle et Carré y Abstraction-création. También publicó su propio diario constructivista, que llamó Plastique.
Taeuber-Arp, Sonia Delaunay y otros, crearon una colonia de artistas en Grasse, al sur de Francia, activa entre 1941 y 1943.



Joven profesora de la Escuela de Artes y Oficios de Zúrich y alumna brillante en las clases de danza expresiva de Rudolf Laban: bailar en libertad, bailar sin pasos; bailar como exige Dadá, movimiento que por esos momentos se establece en Zúrich y a cuyas reuniones se incorporan Arp y Taeuber muy pronto.
En esos años fundacionales, sumergida en sus diferentes actividades, se va perfilando la artista complejísima que es Sophie Taeuber-Arp. De la Escuela de Artes Aplicadas aprende las fronteras rotas entre arte y artesanía que muestran sus tapices, aquellos que tanta influencia ejercen en el esposo, y aprende el valor del trazado geométrico presente en la que es su obra maestra en esos años, el Tríptico de 1918. Dadá le enseña la libertad patente en las fotografías que muestran a la artista actuando con las ropas diseñadas por ella misma, así como en las irónicas cabezas dadá o en las marionetas y la escenografía para la obra El Rey Ciervo del autor italiano Carlo Gozzi, donde geometría y humor encuentran su territorio común.
Así, en el contraste, se organiza la obra de esta creadora capaz de conciliar los extremos, a veces opuestos, que están en el origen mismo de lo moderno –figuración, abstracciones, dadaísmo, razón geométrica, artesanía, arte, serenidad, origen…- De hecho, si repasamos el relato fundacional de las vanguardias, el nombre de esta artista aparece asociado a los momentos clave de la formación de las modernidades. Sólo con recordar los testimonios y los eventos del periodo 1915-1940 queda claro que Taeuber fue una parte vital de los mismos, funcionando a menudo como bisagra entre dos épocas, entre dos propuestas que en ella encuentran esa unión lógica y productiva. Desde el principio Kandinski, quien se refiere al trabajo de la creadora como una fuga. Las vanguardias hablaron de Taeuber con admiración, como performance dadá y como artista concreta. Es la idea de personaje polifacético –pintora, bailarina, escenógrafa, dibujante, diseñadora, disfrazada, surrealizante, dadaísta, arquitecta, profesora…- que comenta Hans Richter: Sophie no era solo bailarina y profesora, sino ante todo una pintora abstracta moderna en una época en la que la pintura abstracta estaba aún en sus primeros balbuceos.1






GUNTA STÓLZL (1897-1983).



Pintora y tejedora alemana nacida en Múnich en 1897 y fallecida en Küsnacht (Suiza) en 1983. Perteneció a la escuela alemana de la Bauhaus.
Empezó como aprendiz en el taller textil de esta institución, del cual fue directora tras su nombramiento como maestra. Su actividad en la Bauhaus fue de los más heterogéneo, desde la dirección del citado taller con la floristería y el cuidado de jardines, o desde la organización de fiestas debido a su interés por la cocina. Es por ello que fue una de las pocas mujeres, junto a Mariane Brandt, que ejercieron la docencia en la institución alemana y alcanzaron una destacada proyección internacional.
Hija de un profesor, fue su propio padre quien se cuidó de que recibiese una educación liberal hasta su ingreso en la Universidad en 1913. Al año siguiente abandonó sus estudios para servir como enfermera durante la Primera Guerra Mundial. Finalizado el conflicto bélico e inaugurada la Bauhaus en 1919 por Walter Gropius, se incorporó a su cuerpo estudiantil. De los doce años que estuvo en la institución, Stölzl se dedicó seis años a su formación y los restantes seis a ejercer la docencia, como era costumbre en la Bauhaus. Hasta su examen como oficial tejedora en 1923, recibió clases de Johannes Itten y de Paul Klee, que simultaneó con su estancia en el taller textil.
Con el nombramiento de oficial, y antes de incorporarse al cuerpo docente de la Bauhaus, Stölzl residió en Zúrich, donde organizó los talleres textiles Ontos. Desde octubre de 1925 a septiembre de 1931 fue maestra del taller textil, pasando a ser su directora desde 1927 hasta su definitiva disolución en 1933 por orden del partido nacionalsocialista, que ese año subió al poder (véase nacionalsocialismo). Durante dicho período como directora de taller, contó con la colaboración de Kurt Wanke. Bajo su organización, el taller textil ejecutó sus mejores realizaciones, incluso mejores que en el período en que éste estuvo dirigido por Klee.
La obra de Stölzl, tanto la realizada de forma individual como en colaboración con otros artistas, se caracterizó por la aplicación de los principales principios estéticos que formulaba la Bauhaus. Por un lado, la experimentación constante con materiales textiles para obtener tejidos nuevos que fuesen resistentes, baratos y cuya producción en serie abaratase sus costes encaja de lleno en la política de la Bauhaus de integrar las obras de los artistas en el proceso industrial. Por otro lado, la profunda geometría que plasma en sus composiciones comparte de pleno el gusto por la formas geométricas primarias que se practicó en todos los talleres de la escuela.







viernes, 11 de marzo de 2016

JOANA VASCONCELOS





Joana Vasconcelos es una artista portuguesa nacida en París en el año 1971, fue conocida internacionalmente sobre todo a partir de su selección para exponer en el Palacio de Versalles  en el año 2012.
Esta artista portuguesa fue la primera mujer y la más joven artista seleccionada para dicha exposición en Versalles, en una iniciativa que llevan realizando desde el año 2008, cuando decidieron realizar en el palacio exposiciones de arte contemporáneo y por las que ya pasaron artistas de la talla de Jeff Koons, Murakami etc.
Para su muestra en el palacio francés la artista seleccionó quince de sus obras, en las que podemos ver un resumen de toda su carrera, Joana Vasconcelos dice que “la exposición era una incursión en el universo de las mujeres que vivieron en Versalles”.
Una de sus esculturas más famosas se llama A Noiva que consiste en una gran lámpara realizada con tampones, la cual no pudo exponer en el palacio debido a la censura de la comisaria, lo cual provocó algún problema con la artista.



Sus esculturas e instalaciones son realizadas de forma artesanal, trabaja con la costura, también utiliza motivos típicos de la cultura popular portuguesa, y trabaja sobre todo con elementos cotidianos que tiene que ver con el ámbito privado asociado normalmente  a lo femenino.
Utiliza en muchas de sus esculturas el crochet, trabaja los tejidos con la técnica del ganchillo, como una forma de hacer referencia a lo pasado, a lo rural, nos recuerda aquellas casas en los pueblos con los sofás y los muebles llenos de paños de ganchillo. El crochet se opone a las esculturas u objetos que cubre o rodea que son totalmente actuales y modernas, haciéndonos reflexionar sobre la moda, y como seguir las pautas que esta nos marca, llevándonos a ser esclavos de esta, perdiendo así nuestra propia individualidad.
Los objetos cotidianos son descontextualizados, como ya hacían los surrealistas en sus ready- mades, utiliza por ejemplo, para su fantástica escultura Los zapatos  de tacón (Marilyn),  algo que podría resultar tan poco elegante o interesante como ollas y tapas de acero inoxidable, consiguiendo una obra totalmente elegante y de lo más actual, en la que podemos ver un símbolo de la mujer trabajadora pero también de una mujer elegante y femenina.



Consigue hacer de objetos banales, que para el espectador pasan desapercibidos, una obra de arte, algo elegante digno de exhibirse y de ser admirado. Con la elección de estos objetos la artista hace una reflexión sobre las contradicciones entre la esfera pública y privada, el consumismo que nos arrastra en la sociedad contemporánea, pero todos estos temas son tratados de forma brillante con un gran colorido, y sentido del humor.
Realiza también grandes intervenciones en lugares públicos, muchos de ellos realizados en Portugal, donde vive y trabaja normalmente. Joana Vasconcelos ha sido elegida además para representar a Portugal en la próxima Bienal de Venecia, donde estamos seguros que su trabajo nos sorprenderá  de forma positiva como siempre.

miércoles, 9 de marzo de 2016

EVA GONZALÈS (París, 19 de abril de 1849 – ibídem, 5 de mayo de 1883)

Hija del escritor español naturalizado francés, Enmanuel Gonzalès, comienza a estudiar pintura a los 16 años. Discípula de Charles Joshua Chaplin, más tarde lo será de Édouard Manet, en cuyo taller será modelo y alumna. La influencia de Manet en su pintura es visible hasta 1872, después su estilo se vuelve más personal, especializándose en obras al pastel y tonalidades claras.





YAYOI KUSAMA

Yayoi Kusama(草間 彌生 or 弥生 Kusama Yayoi?, nacida el 22 de marzo de 1929) es una artista y escritora japonesa




A lo largo de su carrera, ha trabajado con una gran variedad de medios incluyendo: pintura, collage, escultura, arte performance e instalaciones, la mayoría de los cuales exhiben su interés temático en la psicodelia, la repetición y los patrones. Kusama es una precursora de los movimientos del arte pop, minimalismo y arte feminista e influenció a sus contemporáneos, Andy Warhol y Claes Oldenburg.1 A pesar de haber sido olvidada después de que dejó la escena del arte neoyorquino a principios de la década de 1970, Kusama es reconocida actualmente como una de las artistas más importantes que haya salido de Japón y una voz muy importante del avant-garde.
Nació en Matsumoto (Nagano) en una familia clase media alta de comerciantes de semillas,2 Kusama comenzó a crear arte desde una edad muy temprana, lo que la llevó a estudiar Nihonga (pinturas de estilo japonés) en Kyoto en 1948. Frustrada con este estilo japonés, ella se interesó en el avant-garde americano y europeo, montando varias exhibiciones solistas de sus pinturas en Matsumoto y Tokyo durante la década de 1950. En 1957 se mudó a los Estados Unidos, estableciéndose en la ciudad de Nueva York donde produjo una serie de pinturas influenciadas por el expresionismo abstracto. Kusama cambió a la escultura y la instalación como sus medios principales y se convirtió un elemento fijo del avant-garde de Nueva York con sus trabajos expuestos al lado de Andy Warhol, Claes Oldenburg y George Segal a principios de la década de 1960 cuándo la artista se asoció al movimiento del Arte pop. Acogiendo el ascenso de la contracultura hippie de finales de los años sesenta, Kusama llamó la atención del público cuando organizó una serie de happenings en los cuales se pintaba a participantes desnudos con lunares de colores brillantes.